Producción de un film: Organización, difícil, pero posible

Los comienzos siempre son duros, amigos. Y más para lanzarse de cabeza a la realización de una película, por eso muchos directores se apodan a si mismos como " locos inmersos en la locura del cine". Hollywood estableció un precedente más que en su sistema de consumo masivo, en la forma de producción de las películas.
 

En primer lugar, cuando tenemos la idea hay que conseguir capital. ¿Cómo conseguirlo? Lo veremos en el siguiente post. Pero hoy trataremos la creación del equipo de trabajo, que es el primero en incorporarse al proyecto, justo en la fase de preproducción.

Compuesto por el productor, director de producción, director y guionista, estos serán los cuatro pilares para realizar el resto de fichajes de la plantilla: director de fotografía, director de arte, músico, cámaras, etc.

Ejemplo de presupuesto muy básico:

Una vez hecho el presupuesto y un primer desglose del guión, se incorpora el equipo de producción, para ajustar el plan de producción y organizar el trabajo en función de localizaciones y días de rodaje previstos. Paralelamente, se van estableciendo las localizaciones, que deberán supervisar el director de fotografía, el de arte y de producción, pues éste último se encargará de conseguir los permisos de rodaje, alquileres, catering y demás. También se irán haciendo los castings, y seleccionando a los actores.

La escenografía es un elemento fundamental, atrezzo, construcciones,(interiores/exteriores), vestuario, maquetas, material de efectos especiales, maquillaje y peluquería, semovientes y otros complementos. Aquí entra la primera labor del Director de Producción concienciando a los encargados de cada departamento para que lo que se adquieran sea siempre al mínimo coste o, si se puede, gratuito, a cambio de figurar en los agradecimientos de los títulos de crédito o apareciendo en algún plano de la película. Para ser un buen director de producción hay que saber vender bien el producto.

Aquí tenéis una muestra de unos créditos de agradecimiento:

El siguiente paso es elaborar el plan de trabajo que establecerá el orden de rodaje de la película, incorporándose también los encargados de la venta, promoción y comercialización de la película.

Una vez, rodada la película comienza la postproducción, donde intervendrán el montador, el creador de efectos, además del director y el productor. Una vez conseguida la película final, el productor se centra en la comercialización y distribución. En ocasiones, cuando son películas de gran presupuesto se organizan visionados exclusivos para ponderar la reacción ante la película.

La conjunción de todo este equipo técnico es vital e imprescindible para un buen resultado final, sin ellos será prácticamente imposible conseguir nuestros objetivos. Así, que ya sabéis, si por algún casual decidís meter la cabezita en este mundillo, rodeáos de una buena plantilla y sobre todo: paciencia infinita.

Producción de un film. ¿Produces o coproduces? :P

Una película no sería película, sin el proceso de producción, amigos. Al igual que una paella no es paella sin arroz. La producción abarca desde la idea inicial hasta que se inicia la comercialización y distribución de la película.

¿Y quién es el loco que se encarga de semejante tarea? La bendita productora, formada por un equipo encabezado por el Productor que es quién organiza y promueve todo el proceso.

Por su parte, el Productor Ejecutivo se encarga de la producción de una película concreta y se encarga del cumplimiento de los plazos y del presupuesto establecido, por lo que de él depende que se prolongue o acorte el rodaje.

Una vez aprobada la versión definitiva del guión, del que hablaremos más adelante, se incorpora el Director de Producción, quien se encarga también de supervisar la gestión económica y administrativa del día a día. También, en reunión con el ayudante del director, realizará el Plan de Trabajo y los Desgloses de Guión. Por debajo, estará el Jefe o Ayudantes de Producción, que se encargarán de conseguir los permisos de rodaje, organizar el catering, los desplazamientos de actores, etc.

La conexión de todo este gran equipo humano con el departamento artística se realizará gracias a la labor del Regidor, contrastando las necesidades de vestuario, decoración, etc. Pero si alguien es la persona realmente adorada y esperada por todos, es el Pagador contable, el encargado de repartir los cheques y pagar las facturas.

En este enlace tenéis un Dossier de Producción donde podéis ver todas las áreas que abarca desde localizaciones hasta plan de marketing y distribución: 

http://www.subiralcielo.es/wordpress/wp-content/uploads/2011/06/Dossier-prensa-Subir-al-cielo-10.08.2011-Ext.pdf

En otro sentido, si nuestro objetivo es repartir los gastos de producción,cada vez se han ido desarrollando más las coproducciones, donde se financia o se realiza una película por dos o más países, empresas o personas.  Una coproducción implica un aumento del coste frente a una película exclusivamente nacional, dando lugar a los gastos específicos: gastos muertos, gastos duplicados y gastos propios.

Los gastos muertos son aquellos que no intervienen en la realización de la película(las licencias y demás papeleo); los gastos duplicados que es el mismo gastos asimilado por cada productor (doblaje, créditos, etc.) y los gastos propios son los creados por la propia alianza de coproducción (seguros internacionales, impuestos..).

Existen diversos tipos de coproducciones: bipartitas, tripartitas o multipartitas cuando intervienen más de tres países. También se diferenciarán según el capital aportado: equilibradas cuando todas aportan lo mismo, o mayoritarias, cuando una de ellas contribuye con más de la mitad del capital. 

En España, se producen más de doce coproducciones al año, con diferentes países extranjeros. Os dejamos esta tabla donde se indican los principales países con los que coproducimos:

Una de las últimas coproducciones de nuestro país ha sido la película de animación `Futbolín', coproducción argentino-española.

Aunque son muchas las ventajas, otros perciben algunos inconvenientes como la pérdida de la identidad cultural de cada país, por lo que este tipo de producción tiene tanto muchos seguidores como detractores. Y vosotros ¿que decís?, ¿coproducción sí o no?

Lenguaje fílmico. Soniditos y Vanguardia

Truco para los susceptibles: quítenle el sonido a una película de miedo, según estudios, el impacto disminuye en más de un 70%. El sonido está al servicio del desarrollo narrativo de las historias y debe guiar al espectador que, sin saberlo, ya dispone en su mente de un especial `banco de melodías´ que asocia con determinadas cosas.

En el montaje, la banda sonora de una película recoge los efectos sonoros de ambientación, de movimiento, de efectos, los diálogos y la música. Normalmente, excepto los diálogos todo suele añadirse en el montaje pues resultará más cómodo y fácil.

En ocasiones, incluso es necesario crear sonidos de cosas que no existen como, por ejemplo, en las películas de Harry Potter, donde al crear un universo imaginario los sonidos también son creados específicamente. Os dejamos con un vídeo para que oigáis el sonido creado para las escobas y la `snicht dorada´.

Las cosas más inverosímiles pueden ser el elemento perfecto para recrear los sonidos (cajones de arena, chapas metálicas....).

La música podrá presentarse de dos formas: diegética, que sigue el propio desarrollo de la historia o , extradiegética, independiente a las imágenes de la historia. Normalmente la diegética, se va desarrollando desde la preparación del guión y la producción (sonido de un teléfono, timbre de una puerta...). Sirve para ambientar e identificar los espacios.

La extradiegética se introduce en la postproduccion y se integra como un elemento más. Puede estar compuesta expresamente para el film o pueden introducirse temas ya existentes. Normalmente la original para una película siempre tiene un carácter más extradiegético.

En esta escena de Kill Bill, observamos como se empieza con sonido diegético y éste se va uniendo con el extradiegético, formando la conocida melodía del `silbidito':

La importancia que han tenido algunas bandas sonoras en la historia del cine ha provocado la comercialización de la banda sonora como tal, y ya son muchos los casos donde se promociona una película con música original de algún artista o grupo conocido.

Y relacionado con el lado comercial, se puede decir que existe un tipo de cine destinado al consumo masivo, los blockbuster estilo superhéroes, por ejemplo. Éste tipo de películas se contrapone al llamado cine de autor, centrado en la expresión estética y no en la ficción colosal.

El documental es el principal género no ficcional. Dentro de este se distingue el documental expositivo (voz que comenta y guía), el documental de observación (sin apenas manipulaciones), el documental interactivo (cineasta es la principal presencia) y el documental de representación reflexiva (sin ocultar como ha sido rodado).

Otra dimensional del cine de autor es el cine de vanguardia, que va desde la experimentación dentro del celuloide y el abstracto, que busca la cercanía a las artes pictóricas.

Finalizamos, con una escena de un director que no os sonará, pero que goza de bastante renombre en el panorama cinematográfico de autor: Kiarostami. En su cine experimental y en concreto en la película `Five Long Takes: Dedicated to Yasujiro Ozu', busca la metáfora en diferentes episodios de la vida cotidiana. En este fragmento una simple rama en la orilla, simboliza el devenir del tiempo.

Lenguaje fílmico. Tanto monta, monta tanto

El montaje es vital en cualquier película que vemos en una sala, un proceso de unión de dos planos medidos y ordenados, para dotar de estructura al relato fílmico. Es una actividad que permiten al espectador aceptar un relato fílmico como real, situado cómodamente en su sofá (con o sin palomitas de por medio).

La forma es fácil: se rueda al actor repitiendo el movimiento sobre el que se apoyará el montaje de ambos planos; posteriormente se seleccionará un momento del movimiento (el llamado engarce) en ambas tomas para realizar el corte y posterior empalme.Algunas de las claves para mantener una buena transición son la constancia de la tonalidad de la iluminación y el nivel del sonido directo.


Durante décadas el montaje se ha realizado en las llamadas moviolas utilizando una copia del negativo de la película que proporcionaba el laboratorio.En la actualidad, y gracias a los avances, el montaje se hace en sistemas digitales de edición que reducen costes y facilitan la mezcla de los soportes fotoquímicos, videográficos y digitales y el mejor ajuste de los distintos efecto

 El cine ha utilizado unos recursos y unas normas relativamente conocidas entre los planos: una narrativa que determina el espacio y el tiempo audiovisual y que está guiada por una relación causa-efecto; a su vez esas relaciones causales están determinadas por las necesidades y características de los personajes. Los eventos narrativos no son necesariamente presentados en un orden temporal cronológico.

De esta manera, el flash back y flash forward son alteraciones narrativas de carácter temporal que alteran la linealidad cronológica del relato.


El flash back es el retroceso a un punto anterior de la historia, una necesidad narrativa aclaratoria del momento presente del relato.

Ejemplo de Flash back en la película ``El padrino´´

Por su parte, el flash forward es un salto hacia delante en el tiempo, para después, retornar al momento presente de la narración, actuando como recurso de anticipación más allá de los límites del relato.

Ejemplo de Flash forward en la película ``Terminator 2´´

Desde el punto de vista de las técnicas debe mencionarse la elipsis y los fundidos.La elipsis puede abarcar desde la porción de tiempo mínima apreciable hasta un salto de siglos.  Por su parte, los fundidos a negro consisten en montar un plano con otro, como dice su nombre, completamente negro.

Esto es sólo algunos de los elementos que se incluyen en el montaje cinematográfico, pero pueden añadirse muchos otros: efectos especiales digitales, rotulaciones, y por supuesto, el sonido, del que hablaremos en el siguiente post.

Y con esto y un bizcocho, hasta el próximo día a las 8 :P

Lenguaje fílmico. Actores, escenarios y más

Storyboard. ¿Conocéis este concepto? Se trata de una organización en dibujos de los planos y secuencias de un film, permitiéndonos hacer una primera visualización `en papel' del mismo.
 
Os proponemos un JUEGO, aquí tenéis un fragmento de un storyboard de una película muy muy conocida. ¿Sabríais adivinar qué película es y a qué escena corresponde? Tenéis la solución al final de la entrada :P

La puesta en escena de una película comienza con la previa distribución del espacio escénico gracias a este elemento.Una vez en el rodaje, el emplazamiento de la cámara en una determinado punto es el elemento clave. El director decide, junto al director de fotografía o del operador de cámara, la altura y colocación exacta de la cámara, la óptica y el foco.

Esto hará que cada director establezca su propio punto de vista, distribuyendo el espacio e intentando transmitir diferentes cosas en función de su colocación. Muchas veces picar (subir la cámara con respecto al objeto) o contrapicar (bajar la cámara con respecto al objeto)puede dar diferentes efectos dramáticos al crear nuevos puntos de vista, e incluso alterando las proporciones. 

-Significados del plano picado: Aplastamiento, inseguridad, humildad, peligro, vulnerabilidad, debilidad, cansancio, etc.

 -Significados del plano contrapicado: Exaltación, grandeza, fuerza, decisión, poder, dominio, etc.

Pero en la puesta en escena hay otras cosas importantes como los escenarios y los actores.
 

Las localizaciones pueden ser o naturales, exteriores e interiores a los que sólo se altera con pequeños retoques, o decorados; construidos en parte o por completo tanto en exteriores como en plató. Como se sabe, en las construcciones únicamente precisan ser construidas las partes de los decorados que vayan a verse en cuadro (por ello, es frecuente que haya techos).

Los decorados pueden completarse en ocasiones con trucos como los cristales pintados con fondos y que se suman a decorado real en rodaje. En ocasiones, por ejemplo cuando han de representar ciudades enteras o sufrir cataclismos, son reconstruidos como maquetas, reproducciones a escala, que posteriormente son integradas por efectos.

Escenario recreado para la película `Lo imposible'

Así, la iluminación de cada decorado o escenario es muy importantes. En estudios, los posibles problemas de origen lumínico eran muchos menos. La ambientación determina el resultado y el estilo de una película. Cada género es un mundo y tiene sus propias características.

Esto debe compaginarse con los otros elementos que constituyen la imagen final: el vestuario, el maquillaje, el sonido y por supuesto, los actores. Éstos últimos suelen ser como se dice, el nexo entre el director y su público.
 

Tras el casting para seleccionar el mejor perfil según físico y capacidad interpretativa, se realizará una prueba con una escena de la película y esa es la prueba de oro para saber si es o no el `elegido'. Es importante tener en cuenta que los sistemas de interpretación de teatro y de cine son muy diferentes, por lo que hay actores acostumbrados a trabajar en un medio y que se ven fuera de lugar en otro. 

Todos estos factores deben añadirse a la `cazuela', como ingredientes fundamentales e inseparables para conseguir llegar al espectador, y no sólo llegar, sino conquistarle con una mezcla que perdure en su retina.

Y por último....la respuesta a nuestro juego era...Forest Gump¡¡ Os dejamos con la escena a la que corresponde.

       

Lenguaje fílmico. ¿Esa lámpara estaba ahí?

Pensemos un poco. Un personaje se mete en un coche. Al plano siguiente se le observa ya con el coche en marcha. ¿Hay algo raro? No, la continuidad hace que se observen los planos como consecutivos a pesar de que puedan haberse grabado en momentos diferentes, pero el conjunto de luz, decorado, vestuario, atrezzo, etc nos harán ver el conjunto exactamente igual.

Pongamos otro caso, muchas son las veces que viendo una película advertimos ciertas `incongruencias' en el cambio de un plano a otro, que hacen que la sensación de realidad de la película y la credibilidad disminuyan en el espectador.

Aquí os dejamos con varios ejemplos de fallos de raccord de la película `Spiderman´, uno de los fallos más conocidos es la destrucción de una lámpara y su mágica resurrección al plano siguiente: Minuto 1:08.

                       

Todo esto es lo que se conoce como raccord, la continuidad de los planos.Por eso, amigos, aunque no lo pensemos, la continuidad es un elemento vital, pues debe permitir asociar dos planos consecutivos aún rodados en espacios y tiempos diferentes.

Por otro lado, es muy importante el eje escénico que es la trayectoria que sigue en pantalla un elemento móvil y el eje de la cámara que es la línea imaginaria que coincide con el punto de mira del objetivo de la cámara. El espectador reconstruye el espacio de tal manera que si no se siguen estas reglas aparecen los llamados `saltos de eje' que confunden al espectador.Por ello hay que colocar la cámara en una linea paralela al mismo lado de los ejes. Las escenas con movimiento, por tanto, requieren ser estudiadas.

La persona encargada de controlar el raccord recibe el nombre de script o secretaria/o de dirección, aunque cada departamento (iluminación, vestuario, decoración...) suele hacerse responsable de controlar la continuidad que le compete y el script advierte o resuelve posibles dudas. Por último es importante, el concepto de plano y contraplano, y que suele darse en las conversaciones entre dos personajes. Se emplean de forma que cada uno de los actores aparezca en orientación contraria respecto al anterior, a veces con un esbozo del otro, cuya imagen completa el espectador mentalmente.

Esperamos que os haya gustado, gracias por la visita :)

Lenguaje fílmico. Uno, dos y tres, ¡Cámara muévete!

La magia del cine no se crea sola, amigos,  y necesita de unos elementos que hoy en día percibimos de forma autónoma. Es un proceso comunicativo de cualquier creación audiovisual, que estará condicionado por dos cosas fundamentales: los planos y los movimientos de cámara.

La unidad básica y mínima del lenguaje audiovisual es el plano. Desde una perspectiva espacial, plano es el espacio escénico que vemos en el marco del visor de la cámara o en la pantalla; desde una perspectiva temporal plano (o toma) es todo lo que la cámara registra desde que se inicia la filmación hasta que se detiene, el famoso "¡CORTEN!"

Cuando los pioneros empezaron a tomar conciencia de las variaciones que surgían con los cambios de punto de vista de la cámara y objetivos decidieron crear una tipología del tamaño de los planos, la cual establecieron tomando como referencia básica la figura humana:

Plano General es aquel en el que predomina el decorado sobre el personaje. Su variante es el plano general concreto que equivale al tamaño casi exacto del personaje y del ambiente que le rodea.

Plano general concreto

Plano tres cuartos o americano es aquel en el que el cuadro corta la figura por las rodillas.

Plano Americano

Plano medio es el referido a una imagen que recoge cuerpos humanos a la altura de la cadera.

Plano Medio

Plano medio-corto es aquel que recoge un cuerpo humano a la altura de la cintura o el pecho.

Plano medio-corto

Primer plano es el que recoge el rostro de una persona y tiene como variante el primerísimo primer plano, aún más cercano.

Primerísimo Primer Plano

Plano detalle hace referencia a una parte incompleta del cuerpo.

Plano Detalle

El conjunto de los planos que poseen unidad de espacio y tiempo recibe el nombre de secuencia y puede estar conformada bien por un único plano al que se denomina plano secuencia o bien por una cantidad indeterminada de ellos. Existen planos secuencia realmente memorables como el de la película `El secreto de sus ojos'.

Os dejamos con un plano secuencia-musical de creación propia:
                     

Y aquí teneis el storyboard de este plano secuencia, para que os hagáis una idea de cómo debe planificarse un plano secuencia:

 Por otro lado, con respecto a las películas de los inicios, donde los planos eran fijos y eran los personajes los que se movían, la cámara fue evolucionando poco a poco y surgen los movimientos de cámara.


Los ‘travellings’ son los más conocidos, donde la cámara se desplaza en relación al escenario; se realizan colocando la cámara en unos raíles para facilitar su movimiento. Pueden ser de avance, de retroceso o de acompañamiento. 


Por otro lado destaca el  Zoom, o travelling óptico, aquel en el que el punto de vista o perspectiva de la cámara no cambia, únicamente lo hacen las dimensiones de la escena en el interior del cuadro gracias a los objetivos de focal variable.

El steadycam es un movimiento libre de la cámara.

También se emplea la cabeza caliente que permite un movimiento en varios ejes de la cabeza de la cámara lo que hace posible cualquier tipo de seguimiento y movimiento a diferentes alturas.


Por último, no podemos olvidar el simple movimiento de cámara en mano que la corriente de cine independiente explota como punto de vista subjetivo. Ni la grúa que hace un movimiento amplio ascendente o descendente para situar la cámara a grandes alturas.

Todos ellos crean nuestra MAGIA, dando puntos de vista realmente impresionantes y que nos hacen preguntarnos por todo lo que hay detrás de ese `recuadrito luminoso' que nos cuenta una historia.